Auto creación y autodestrucción: el caso de Sylvia Plath

La poeta Sylvia Plath no pudo convertir los sentimientos autodestructivos en creación.

La poeta Sylvia Plath fue incapaz de convertir la creación en autocreación, la construcción de aspectos nuevos y valiosos de la personalidad y la emoción. Aunque gran parte de su poesía está llena de imágenes vibrantes y hermosas, hay otra tensión en su trabajo que, creo, predice su suicidio a la edad de 31 años. En muchos de sus poemas aparecen fuertes impulsos de destrucción y creación. Hay nuevas imágenes del lado ominoso y mortal de las cosas hogareñas de la cocina y de los cuerpos y flores vivos. Estas imágenes transforman tanto a los vivos como a los mortales; Hacen que la muerte parezca bella y la vida parezca amenazadora.

Los silenciosos y resignados ritmos de sus líneas contrastan con la amargura, el resentimiento y el odio en las palabras y la destructividad detrás de las palabras, produciendo una extraña excitación y vitalidad. Pero, mientras que sus sentimientos destructivos a menudo se fusionan en creaciones poéticas, hay poco de cómo se trabaja con estos sentimientos y poca indicación de desentrañar las fuentes psicológicas de sus preocupaciones. Por ejemplo, en uno de los poemas que escribió poco antes de quitarse la vida, “Edge”, hay excesos sorprendentes;

Albert Rothenberg

Sylvia Plath

Fuente: Albert Rothenberg

La mujer está perfeccionada.

Ella muerta

Cuerpo lleva la sonrisa de logro,

La ilusión de una necesidad griega.

Fluye en los rollos de su toga,

Ella desnuda

Los pies parecen estar diciendo;

Hemos llegado tan lejos, se acabó.

Cada niño muerto enrollado, una serpiente blanca,

Uno a cada minuto

Jarra de leche, ahora vacía.

Ella ha doblado

Los devuelven a su cuerpo como pétalos.

De una rosa cerrada cuando el jardín.

Rigidez y olores sangran.

De las dulces, profundas gargantas de la flor nocturna.

La luna no tiene nada de qué estar triste,

Mirando desde su capucha de hueso.

Ella está acostumbrada a este tipo de cosas.

Sus negros crujen y arrastran.

El poema comienza con las bellas, pero escalofriantes líneas:

La mujer está perfeccionada. Sus muertos /

El cuerpo lleva la sonrisa de logro …

Mirando retrospectivamente estas líneas, y poco después conociendo su suicidio, podemos, por supuesto, ver una clara declaración de su intención. Pero no estoy hablando del exceso porque hay una creación poética en las líneas, a pesar de su tono macabro. Son paradójicos y algo emocionantes; Estimulan una progresión del pensamiento. Pero poco después de estas líneas, encontramos lo siguiente:

Cada niño muerto enrollado, una serpiente blanca.

Uno a cada pequeño

Jarra de leche, ahora vacía.

Ella ha doblado

Los devuelven a su cuerpo como pétalos.

De una rosa cerrada cuando el jardín.

Rigidez y olores sangran …

Creo que estas últimas líneas no son creativas porque, en ellas, la destructividad se ha vuelto excesiva y se ha ido de las manos. Los niños son devueltos al cuerpo de la madre simplemente porque ella no puede dar más. Ella y sus pechos, las jarras de leche, están vacíos y secos. Los niños son envueltos de nuevo en su vientre, de vuelta al pasado, de donde vinieron. Ellos son destruidos simplemente porque ella es destruida. Además, se les llama serpientes, un nombre cuya negatividad está ligeramente modulada en este contexto por el adjetivo “blanco”. Paralelamente a los excesos destructivos en estas líneas, las imágenes poéticas introducidas son inconsistentes y discordantes. Las serpientes no van con jarras de leche y los pétalos de la rosa no se cierran como lo hacen otros pétalos de flores. Parece que la rosa se usa principalmente debido a su rima con “cerca”; dicha rima separada del significado es claramente poco poética y no creativa. Las imágenes y metáforas están fragmentadas y las ideas expresadas, destructivas.

Llamo la atención a estas líneas particulares para mostrar cuán precario puede ser el equilibrio entre la destrucción y la creación en el arte, al igual que el equilibrio entre la autocreación y la autodestrucción puede ser precario en la vida. Sylvia Plath comienza su poema con una afirmación de triunfo sobre la muerte, la “sonrisa de logro”, pero ella no puede llevar su triunfo más allá. Un sentido de triunfo sobre la muerte se asocia generalmente con un sentido subjetivo de libertad, es decir, para la mayoría de nosotros. Pero en este poema no hay libertad; sólo existe el regreso de los niños a sus orígenes, al pasado.

Albert Rothenberg, used with permission

Ted Hughes

Fuente: Albert Rothenberg, usado con permiso.

Hay razones para creer que el problema con los sentimientos destructivos contenido en este poema reflejó de cerca los problemas de Sylvia Plath con los sentimientos destructivos en su vida. Se suicidó aproximadamente siete meses después de que su esposo, el poeta Ted Hughes, se separara de ella. Quedando con la total responsabilidad por el cuidado de sus dos hijos muy pequeños, parece haber estado constantemente envuelta en una lucha con sentimientos hostiles hacia ellos. Muchos de sus poemas inconclusos, posiblemente inacabados debido a que fueron dolorosamente personales, durante este período sugieren una lucha semejante, y las circunstancias de su suicidio también lo indican. Aquí hay un extracto de uno:

Ella odia

La idea de un bebé …

Robador de células, ladrón de belleza.

Ella preferiría estar muerta que gorda,

Muerto y perfecto, como Nefertiti.

Al encender el gas en la estufa de la cocina temprano en la mañana mientras los niños dormían cerca, no hizo ninguna provisión para protegerlos de los humos que se quitaron la vida. Sobrevivieron por casualidad más que por diseño. Es imposible saber si ella intentó conscientemente asesinar a sus propios hijos o no, pero hay pocas dudas sobre la expresión de sentimientos tan destructivos hacia los niños en el poema “Edge”. Las “serpientes” son blancas y no están envueltas brutalmente. En la madre, pero son asesinados, sin embargo.

Creo que Sylvia Plath no podía convertir sus sentimientos destructivos en una creación poética en estas líneas porque usaba la poesía principalmente para controlar en lugar de crear. En otras palabras, ella intentó expresar sentimientos destructivos en forma poética para expulsarlos y externalizarlos. Tal intento de expresión indirecta funciona solo para controlar los sentimientos en lugar de cambiarlos. Se esfuerza por mantener el equilibrio, un estado estático en lugar de progresivo. La buena poesía no hace esto; trata de meterse por debajo de los sentimientos, de comprenderlos o de usarlos de manera progresiva. La escritura de una buena poesía implica que el poeta se libere del pasado hasta cierto punto a través de la comprensión y el movimiento hacia el futuro. Una de las fuentes de nuestro propio disfrute de la poesía es nuestra identificación indirecta con la lucha del poeta por la comprensión y la libertad. En el caso de este poema en particular, Sylvia Plath no pudo convertir completamente la destructividad en creación y no pudo liberarse lo suficiente del pasado para avanzar hacia el futuro. Como ahora sabemos, este estado presagiaba su autodestrucción.

Del mismo modo que una necesidad excesiva de control interfiere con convertir la destructividad en creación en el arte, también interfiere en convertir los sentimientos autodestructivos en un proceso de autocreación en la vida.

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